本文涉及的作品跨越了绘画与雕塑：从《流民图》《避难群》到《家破人亡》，媒介在变，使命相同——把历史变成可被当代理解的证据。跨媒介的第一要务，是识别“可转译的核心元素”：在绘画中是留白与密度，在雕塑中是体积与触感;在音乐—场景作品(如《太行山上》)里，则是“节律—合奏—呼吸”。只要核心元素被正确移植，媒介越多，公共触达越广。

　　对雕塑而言，《家破人亡》的“深衣纹—伤痕”策略提供范式：让材料的物理反应(凿痕、刀痕)与主题的伦理指向发生同构——观众不仅“看见”悲痛，还能“摸到”暴行的痕迹。对合唱—叙事类作品而言，《太行山上》提醒我们用“多人合作的节律”抵御战争的撕裂，将“发声的个人”变成“校准的声部”，把共同体重新缝合。

　　当下传播语境中，短视频与交互网页可以把核心元素做成“可操作的任务”：比如“在任意照片上尝试‘留白—荒原’的模拟练习”“用手电筒在暗房里复现‘手术灯—灯塔’的稳定与对照”“用多人拍手的节拍游戏模拟合唱的同步感”。这些低门槛的交互，把高密度的艺术语言转化为可体验的知识。

　　此外，文本的价值框架(以史为鉴、以情共感、守护人性、礼赞生命)天然适合做成“传播口令”：每条口令对应一组可复读的图像与动作，既能在社交媒体扩散，也可在校园与社区落地。媒介并非消解深度的天敌，只要“证据点”与“参与法”清晰，跨媒介反而能提升记忆的粘性。

　　最终目标，是让图像从“看完就走”变为“做了再走”。当观者完成一次留白实验、一次节律合奏、一次灯塔重建，他对作品的理解就不再停于描述，而是进入到方法层——这正是公共传播所应瞄准的“第二个层次”。